Retórica de la pintura

La intención del autor es traducir al lenguaje verbal a lo visual y para la construcción un modelo de retórica visual parte de la forma discursiva específica de la obra en donde la retorica visual es un modo de interpretación de la pintura y la idea central es encontrar secuencia a algo que no parece tenerla.

Plantea varias formas para contrir la retórica. La primera de estas es la retórica verbal y la visual donde los elementos importantes son el contenido en la medida en que se designa una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas; y la forma que es la retórica que participa en la construcción del acuerdo social que llamamos realidad.

El ser humano tiene un banco de memoria de todos los sentidos; por ejemplo: un olor evoca a algo y este algo remite a una imagen. Quien hace una pintura deja sus impresiones personales de acuerdo a sus experiencias.

La pintura como arte

El arte puede actuar como un leguaje comunicativo visual y está manifiesto en la comunicación humana. La pintura, por su parteintenta general un sentido al observador que parte desde las intenciones y sentimientos con los que el autor se halla relacionado al realizarla.

El fin del arte es comunicar algo, esto nos lo dice Wolheim en su texto en la medida en que expresa que lo que es un cuadro en si mismo es lo que el autor quiere decir de manera inadvertida, la experiencia de ver un cuadro también radica en lo que el espectador halla experimentado con este.

El texto esta dividio en dos: la teoria de la pintura y en ¿cómo se pinta? y en la primera parte, el autor se basa en el concepto de retórica y muestra elementos como la historia y la funcion en donde la estetica se ha transformado y la función que cumple va dirigida al otro. Estudia las características y los elementos constitutivos a través de los elementos nombrados anteriormente.

Imágenes que no dicen nada

El arte se considera libre y existen miles de corrientes que lo rigen y que se han establecido a lo largo de la historia dependiendo de la época y situación social.

El arte abstracto o la imagen como ausencia es tal vez, según nuestra perspectiva, uno de los más complejos de realizar, analizar y comprender, y es aquí cuando debemos recordar las sabias palabras de Calabreses en las cuales expresa que se debe ir más allá de lo que se ve y de lo que aparentemente parece evidente.

Siempre el autor tiene algo que contar así no se cumpla con los parámetros de la narrativa y se salga de lo establecido por el arte, él autor no pinta por pintar y por llenar un óleo; todo lo contrario esas pinturas que aparentemente tienen ausencia de imágenes y de significados son tal vez las que más dicen algo, el problema radica en saber analizar la imagen, haciendo sobretodo un análisis de contexto del autor, de la época en la que realizó la obra para así tener un bagaje de la técnica y el movimiento social que se regía al autor en el momento que realizó la obra.

Una imagen teatral

Las imágenes cumplen una función en el espacio, dependiendo de cuál sea el objetivo que busque el autor al pintarla y lo que quiera transmitir a los demás.

Por ejemplo una imagen nos puede suministrar algunos factores similares a los del teatro, mediante la cual podemos conocer una historia representada con imágenes estáticas y en el teatro con imágenes en movimiento.

Por mucho tiempo se ha dicho que una imagen vale más que mil palabras y una vez más lo comprobamos, argumentando que la imagen y el teatro están estrictamente ligados en la creación de nuevas olas de arte mezclando dos vertientes muy importantes y brindándole a los espectadores cosas frescas y una opción diferente en la cual puede observar el talento del autor de la obra por sus facultades para plasmar una historia narrativa en una imagen de calidad.

El permiso de copiar

Todas las obras de arte que hemos visto a lo largo de nuestras vidas se han cruzado, invertido, complementado o incluso basado en diferentes obras que hemos visto y conocido asimilándolo y adecuándolo cada artista a su estilo y su identidad, a esto le llamamos intertextualidad.

La intertextualidad literaria se refiere a citar una frase o algún aspecto de otro autor en el texto propio, caso parecido se presenta en la pintura pero con imágenes.

De manera más técnica y menos coloquial la intertextualidad se define como “La relación directa de un texto con uno o varios textos más”, como lo decía anteriormente esta técnica se crea para la literatura pero se ha acogido en varios ámbitos, eso sí dando el crédito correspondiente al autor original del escrito, de la pintura, etc., porque de no ser así

esto puede ser tomado como plagio y puede causar graves problemas legales.

Un claro ejemplo de esto puede ser el sucedido en 1956 cuando el pintor Pablo Picasso se basó en la pintura "Las meninas" del pintura Velasquez, imponiendo su estilo en ella y reformandola.

Obra "Las meninas" del pintor Velasquez (1956)

Obra "Las meninas" del pintor Pablo Picasso (1957)

¿Cómo leer una obra de arte?

No todas las obras de arte son iguales y por ende no todas se pueden interpretar de la misma manera, esto quiere decir que cada obra tiene un modelo de interpretación y un interpretador modelo.

Calabrense propone que es el autor quien propone los sentidos peor es el espectador quien los descubre e interpreta a su manera.

Este autor en su texto habla de la intertextualidad,

mediante la cual un texto determinado se acerca o tiene relación con otros textos, en este caso de obras de arte sería una imagen que determina a otra, es decir, los marcos de referencia que tiene la obra.

Pero analizar una imagen no resulta tan fácil, se pueden dar falsas interpretaciones, porque no se va más allá de lo que se ve y se deja a un lado el contexto y la historia de la imagen.

Para poder acercarnos lo mayor posible a una acertada interpretación de una imagen el autor propone tener en cuento los siguientes aspectos:

1. Lo que se ve no es precisamente lo que es, se debe ir más allá (secreto)
2. Identificar a los personajes de la obra.
3. describir a los personajes (Paratexto)
4. Reconocer la labor y lo que representa cada uno de los objetos que componen la obra.
5. Conocer el contexto e identificar los aspectos más importantes de dicha época.
6. Descrubrir el sentimiento que se quiere plasmar o transmitir con la obra.
7. Conocer la vida y obra del autor y sus tendencias.

Hay que poner mucha atención para no dejarse confundir o dejarse llevar por la falsedad, parece pero no es, porque con esto caeríamos en un grave error y no podríamos interpretar de manera correcta la imagen, como ya lo dije anteriormente hay que ir más allá de lo que se ve.

Las palabras hablan por sí solas

Escuchar el viejo refrán "Una imagen vale más que mil palabras" es muy común y frecuente, pero la razón exacta por la cual se dice esto no se conoce, simplemente se repite y se repite por años, tal vez como herencia de nuestros antepasados, que aunque no eran muy estudiosos si eran muy sabios.

Comencemos por aclarar que la imagen tiene la capacidad de contar algo por sí misma, sin necesidad de ser acompañada por un texto o algo que se le parezca que la ayude dar valor o significado.

El significado de la imagen es determinado por la composición de los elementos que la constituyen, los cuales permiten que por medio de la visión se haga una asociación y una reconstrucción de sentidos.

Una imagen tiene la capacidad de contar algo, dependiendo de la historia social y del contexto en el cuál se encuentre exhibida.

No siempre el relato o la percepción de la imagen es la misma, puesto que el significado no sólo depende de los elementos que el pintor puso en ellas, sino también del espectador que la observa, ya que el conocimiento previo y el baúl de recuerdos del individuo es muy importante y de estos dependerá la interpretación de la imagen.

El arte de crear obras de arte

A través de la historia cada época ha construido distintos canones para delimitar una concepción de arte para el momento de la creación de obras, para determinar que es el arte.

Las categorias generales que se establecen son: la estética entendida como la armonia, la apriencia agradeble a la vista perteneciente a la apreciación de la belleza; la forma como la configuración externa; y la belleza dada como la que se produce de modo cabal y conforme a los principios estéticos, por imitación de la naturaleza o por intuición del espiritú.

Estabilización --- Movimiento

Continuidad --- Ruptura

En general, los objetivos en común de las épocas son dos:

1. Transmitir el sentimiento - Intención: Transmitir el sentimiento ->Concepto de forma.

- Estética: Cómo lo hace.

2. Dominar la técnica

Se lucha por producir una emoción por medio de las obras de arte y por mostrar un estado de ánimo.

La forma previa del arte era dada por la experiencia y la iniciativa.

/"Epoca"/ /"Técnica"/ /"Historial"/

Obras para analizar - Eladio Vélez

Marina - Eladio Vélez

La vacada - Eladio Vélez

Centro al trópico - Eladio Vélez

Primera mujer pintora

En la película Artemisia vemos claramente reflejado algunos aspectos del arte, por ejemplo, encontramos que la época es la encargada de construir las categorías que limitan lo que es arte y lo que no lo es. También encontramos que la belleza no es percibida por todos de igual manera, además que no depende de lo que se pinta sino de lo que se quiere expresar con esto.

Esta joven de tan sólo 17 años trata de hacer con su gran talento obras que exalten el cuerpo humano, pero el machismo que se está viviendo en esta época se lo impide, pero ella con su curiosidad, espontaneidad, sensibilidad y ganas de ser artista logra plasmar su intencionalidad.

Como bien dice en las lecturas “El arte y los artistas” del autor E.H. Gombrich “En efecto, de pronto descubrimos que la hermosura de un cuadro no reside realmente en la belleza de su tema” y eso precisamente sucedía con Artemisa quien buscaba por medio de sus pinturas de la anatomía humana, un tema que a principios del siglo XVII era prohibido, mostrar su gran talento y emplear nuevas perspectivas en el arte.

Durante su formación como artista Artemisia pasa por varios procesos que le dan un tanto de experiencia con lo cual agudiza más y más sus gustos referentes al arte, tomando en cuenta diferentes técnicas y procesos de elaboraciones; Lo cual Gombrich argumenta que se debe tener claro (¿cómo se hace?) y la intensión estética con la cual es realizada la obra.

Finalmente y después de un grave problema en el cual se ve involucrada Artemisia, logra sobrepasar todos los prejuicios sociales para imponerse como un nuevo talento en el arte, convirtiéndose en la primera mujer pintura en la historia.

Percepción, cultura e imagen

Para hablar de percepción es necesario reconocer la importancia de la cultura en este proceso, ya que mediante esta es posible modificar las imágenes que vamos construyendo, por lo cual se habla de imaginarios culturales.

La herencia cultural también desempeña un papel fundamental en la percepción, pues esta construye una imagen o recuerdo que siempre está en la cabeza del sujeto que ve el mundo, esto se denomina como la racionalidad: invanentista. Por otro lado encontramos que la manera como el sujeto ve el mundo es muy incidente en la determinación de la acción, a esto se le llama la experiencia: externalista.

Se pueden obtener diferentes perspectivas con la forma y el volumen. En cuanto al color encontramos que el espectro cromático está basado en lo simbólico (cultural), cada uno de nosotros le damos valores y significados diferentes a los colores.

Para Umberto Eco “la percepción procede como resultado de la categorización semiótica y la discriminación sensorial”

En la percepción y representación del espacio encontramos las diferentes técnicas como lo bidiomensiona y tridimensional, también se evidencia la importancia de lo racial y cultural en cuanto a la percepción gráfica de este.

Existe cierta denominación ejercida por lo convencional de la represetación del espacio a la hora de hacer elecciones y exclusiones la representación.

Y es aquí en donde encontramos la perspectiva artifical: jugar con el plano horizontal y vertiacal haciendo una representación.

Teoría de la percepción

El proceso perceptivo se da cuando el procesos fisiológicos, como la visión, se convierten en una construcción de la mente.

El fenómeno de la constancia expone que la forma de un objeto es percibida como algo constante aunque cambie el punto de vista y dependa también, del contexto en el que se esté. Se habla de la forma, el tamaño y la luminosidad. La estabilidad perspectiva indica que a pesar de que los objetos se perciben a través de múltiples pequeñas vistas se interpreta como si la mirada fuera estable y continua.

Los indicadores de perspectiva se dividen en:
-Gradiente de textura. Las superficies tienes diferentes texturas que dependiendo de su distancia aumenta o disminuye su densidad.


-Perspectiva lineal. Es un juego entre los ejes vertical, horizontal y profundidad.

-Variantes de iluminación. Los efectos de luz y sombra determinan que tan iluminado está el cuadro y esto nos da la perspectiva de donde se tiene que fijar la mirada.



La percepción del movimiento tiene tres momentos; el primero es de seguimiento, es decir lo que el ojo sigue con el movimiento del objeto; el segundo es sacádico y trata de movimientos rápidos y abruptos que el ser humano realiza cuando el ojo recibe un estímulo, algo que aparece en nuestro campo visual; y el tercero es de compensación, se produce para mantener a los estímulos de un punto de la retina cuando la cabeza se mueve.



La percepción del color expone que la mirada y la luz que recae en los objetos es lo que hace que tengan un color, y este está en la percepción del hombre. El tono, matiz o croma es lo que diferencia a los colores y por el cual se designan (violeta, verde, anaranjado). El brillo es la cantidad emitida por una fuente de luz y reflejada por una superficie. De acuerdo a la luminosidad se puede decir que los colores blanco, negro y gris son colores acromáticos, es decir, que no tienen color.

Meditaciones sobre un caballo de madera

Gombrich con este texto, busca mostrar la función que cumple el arte en el hombre mediante un paralelo con la función que cumple un caballo de madera en un niño.

En primer lugar el autor busca dejar claro que el arte no busca imitar al objeto sino representarlo, es decir, busca que cumpla una función de uso sin importar si el objeto resultante de la obra de arte se parece al objeto de la realidad, pero esto sólo se puede ver de esta manera si recurrimos a la imaginación o a la evocación de algo que ya está en nuestra memoria. Por ejemplo el caballo de madera no es una réplica de un caballo de verdad, pero sirve para montar y gracias a nuestra imaginación evoca a uno de la realidad.
Aunque no es necesario que existe una similitud entre el objeto y el arte, si es necesario que haya un significante, es decir, un mínimo detalle que haga alusión al objeto de la realidad.

La abstracción y la sustitución cumplen un papel fundamental para lograr que un objeto sea una obra de arte: la abstracción es una asociación mental por rasgos distintivos, mediante los cuales es posible emitir un concepto y/o distinguir un objeto; la sustitución es la capacidad de remplazar un objeto ya conocido por otro, debido a una convicción o tradición que se tenga.

Gombrich establece cinco razgos:

1. Abstracción: Acción mental.Permite encontrar los razgos distintivos.

2. Caballidad: Sustitutivo. Por convención.

3. Creación: No necesitamos un objeto real para sustituir un referente.

4. Función: Representación. Cumple una función de uso.

5. Psicológico: No es objeto real. Depende del momento cultural, del medio cultural y del contexto que se determina una obra como arte (obra artística) o no.

Cabe aclarar que no todas las imágenes que buscan representar un objeto son arte, puesto que para que sea reconocido como tal se necesita que mediante esta se evoquen recuerdos e imágenes de memoria, además existe un canon institucional que es el encargado de determinar si es arte o no.

La imagen visual: su lugar en la comunicación

En este texto Gombrich nos plantea una realidad latente que estamos viviendo en este momento respecto a la invasión de las imágenes en nuestra cotidianidad y de la manera en que esta se está imponiendo a lo escrito.

Karl Bühler propone tres funciones del lenguaje: expresión, activación y descripción; la imagen pertenece a la activación, es decir, es el acto comunicativo que activa valores simbólicos incluyendo el poder memórico. Es por esto que recordamos más fácilmente una imagen que un texto o una palabra escrita.

El mensaje de la imagen en todas las oportunidades suele no ser el mismo, debido a que dependiendo de su contexto puede ser interpretado, es más en pocas ocasiones se logra entender la verdadera intensión del autor, por lo cual el texto que la acompaña puede resultar de gran relevancia para el observador.